„Willkommen im Daisy Age“: Das Erbe von 3 Feet High and Rising aufdecken

Zeitschrift

Toby Mott

10. August 2023

Sowohl optisch als auch klanglich markierte De La Souls Debütalbum 3 Feet High and Rising aus dem Jahr 1989 eine Weiterentwicklung des Hip-Hop, wie wir ihn kannten. In einer Ära, die von düsteren, hypermaskulinen Bildern dominiert wurde, standen die Verspieltheit und die Ästhetik von 3 Feet High and Rising (ein Akronym, das angeblich für „da inner sound y'all“ steht) in starkem Kontrast zu den vorherrschenden Stilrichtungen des Hip-Hop. Die Mischung aus skurrilen Sketchen und poetischen Zwischenspielen des Albums und der meisterhafte Einsatz obskurer Samples eröffneten dem Hip-Hop neue Bereiche, in denen er erforschen und gedeihen konnte.

Das Cover von 3 Feet High and Rising, das Toby Mott in Zusammenarbeit mit der Grey Organisation erstellt hat, fällt sofort ins Auge. Ausschnitte aus Schwarz-Weiß-Porträts der Mitglieder von De La Soul – Posdnuos, Trugoy the Dove und Pasemaster Mase – laufen zusammen und bilden ein Dreieck vor einem leuchtend gelben Hintergrund. Ihre Porträts werden mit einer kaleidoskopischen Anordnung von 2D-Blumen, Friedenszeichen und verspielten Texten kontrastiert und signalisieren die Absicht des Albums, einen neuen Kurs einzuschlagen. Das Cover wurde zu einem visuellen Manifest für De La's unkonventionelle Herangehensweise an Hip-Hop und trug zur Komplexität und Tiefe des Genres bei. Das MoMA erwarb das Coverdesign für die Ausstellung Making Music Modern: Design for Ear and Eye; Es bleibt das einzige Hip-Hop-Albumcover in der Sammlung des Museums.

Die Gray Organization, ein Künstlerkollektiv, das von 1983 bis 1991 existierte, war für eine Reihe provokativer Aktionen berüchtigt – ihre Mitglieder schmuggelten ein Gemälde auf eine Kunstmesse und zerstörten Galerien –, die schließlich dazu führten, dass sie aus der Londoner Innenstadt verbannt wurden. Nachdem sie nach New York gezogen waren, produzierten sie eine Reihe von Albumcovern und Musikvideos für verschiedene Künstler. Anlässlich des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums habe ich mich mit Toby Mott, dem Gründer der Grey Organisation, über seine Zusammenarbeit mit De La Soul vor mehr als 30 Jahren unterhalten.—DaeQuan Alexander Collier, Inhaltsproduzent, Kreativteam

Graue Organisation. Albumcover für De La Soul, 3 Feet High und Rising. 1989

GO-Ausweis, ausgestellt am 1. Februar 1984

Können Sie uns etwas über die Gründung der Grauen Organisation und ihre Mission erzählen?

Die Gray Organization war ein Künstlerkollektiv, das Mitte der 1980er Jahre im Osten Londons gegründet wurde. Der Name wurde von der deprimierten und grauen Natur Londons zu dieser Zeit sowie vom Kontext des Kalten Krieges inspiriert. Die vier ursprünglichen Mitglieder nahmen ein unverwechselbares Erscheinungsbild an, das westlichen Kapitalismus mit kommunistischen Bildern aus der Sowjetzeit verband, indem sie graue Anzüge und weiße Hemden trugen. Wir rasierten uns die Köpfe und sprachen mit einer Stimme. Wir agierten wie eine Band – wir schufen Kunstwerke, Videos und Super-8-Filme – und stellten gleichzeitig den vorherrschenden Status quo in der Kunst in Frage.

Großbritannien wurde damals in allen Bereichen, einschließlich der Kunst, stark vom Establishment regiert. Es gibt eine Straße im Zentrum von London, in Mayfair, einem sehr exklusiven Teil der Stadt, in dem sich alle wichtigen Kunstgalerien befanden. Und eines Abends haben wir die Fenster aller Galerien mit grauer Farbe bedeckt. Das hat uns viel Aufmerksamkeit von den Behörden eingebracht, auch in der Graffiti-Welt von New York. In der Graffiti Times International wurde über uns geschrieben. Wir hatten also eine Beziehung zu Amerika aufgebaut, wurden aber von den Behörden in London belästigt, weil wir viele wichtige Leute verärgert hatten. Also zogen wir schließlich nach SoHo in New York. Wir hatten ein Loft in der Mercer Street. New York war damals ein Spielplatz und erschwinglich.

Wie kamen Sie zur Zusammenarbeit mit De La Soul?

Wir kannten einen Musikvideoregisseur namens Mark Pennington, und eines Tages bat er uns, die künstlerische Leitung für ein Musikvideo für Information Society zu übernehmen, eine Elektropop-Band aus Minneapolis, die bei Tommy Boy Records unter Vertrag stand. Das Video, das wir gemacht haben, war sehr erfolgreich und wurde wiederholt auf MTV abgespielt. Alle waren mit unserem Beitrag zufrieden. Und dann schickte uns Tommy Boy eine 12-Zoll-Platte von einer neuen Band namens De La Soul; das 12-Zoll-Modell war „Plug Tunin‘“.

Wir sahen De La Soul im Payday spielen, einem dieser One-Night-Clubs, die es in der Lower East Side gab. Wir beschäftigten uns mit Hip-Hop, weil Hip-Hop in den USA ein bisschen wie Punk war, was ich erlebt hatte, als ich jünger war, in London. Also gingen wir zu De La Soul, und sie hatten dieses Ding, das Daisy Age, und sie standen im Widerspruch zum vorherrschenden Hip-Hop-Image, das sehr machohaft war, sich mit Autos und Mädchen prahlte und auch eins hatte heftige Kante dazu. Aber De La Soul mochte das alles nicht. Außerdem war es damals in London der Beginn von Acid House, das im Vergleich zu dem, was es zuvor gegeben hatte, eine völlig neue Identität hatte.

„Es gab keine Konsequenzen und alle waren jung und haben es im Laufe der Zeit wieder gut gemacht.“

Wir haben ein Video für De La Soul gemacht und es auf Super 8 in Amityville, Long Island, gedreht. Als wir dazu kamen, das Cover-Artwork für das Album zu machen, ließen wir sie in unser Loft kommen, das damals in der Grand Street in der Innenstadt lag. Denken Sie daran, es war keine große Sache. Es gab keine Konsequenzen und alle waren jung und machten es im Laufe der Zeit wieder gut. Also legten wir sie auf den Boden unseres Studios und fotografierten sie so, dass ihre Köpfe sich wie ein Dreieck berührten. Und das war es. Und dann haben wir es im Format 12 x 12 Zoll gedruckt, so groß wie eine Plattenhülle. Ich habe die psychedelischen Grafiken wiederentdeckt, und da wir davon beeinflusst waren, haben wir Acetat über diese Bilder gelegt und Blumen sowie den Schriftzug des Bandnamens und des Namens von gezeichnet das Album „3 Feet High and Rising“. Und dann haben wir aus vielen Varianten eine Variante ausgewählt. Die gesamte visuelle Identität des Daisy Age war geboren und hat sie nie verlassen.

Zu dieser Zeit waren der cartoonartige Schriftzug und die Blumen seltsam, weil sie eine Identität und ein Moment schufen, die im Widerspruch zu Gruppen wie Public Enemy und EPMD standen und eher mit dem Kollektiv Native Tongues in Einklang standen, zu dem auch A Tribe gehörte Genannt Quest, die Jungle Brothers und andere.

Die physische Herstellung des Kunstwerks hatte viel mit Posca-Farbstiften zu tun, die eine neue Sache waren. Sie erlaubten uns, diese wirklich dichte flüssige Farbe aufzutragen, allerdings mit einem Markierstift. Diese Zeichnung mit ihnen auf klarem Acetat ergibt eine sehr glatte Linie. Das Ergebnis war wirklich hell, sehr poppig, und ich habe der Musik, die aus Long Island kam, eine britische Note verliehen.

Die Plattenfirma und alle anderen waren sehr zufrieden damit. Dann explodierte der Rekord im damaligen College-Radio. Das bedeutete, dass sie im weißen Radio gespielt wurden, was für eine Hip-Hop-Band neu war. Run-DMC spielte mit Aerosmith, aber Hip-Hop wurde im weißen Radio einfach nicht gespielt. Das College-Radio war etwas experimenteller, aber weiß, und sie begrüßten De La Soul und dieses Album.

Und De La Soul wechselte, was bedeutete, dass sie verdammt viele Platten verkauften, verglichen mit dem, was sie getan hätten, wenn sie auf dem Hip-Hop-Markt geblieben wären. Zu dieser Zeit war Hip-Hop nicht die vorherrschende Musik, aber dieses Ding aus New York wurde auf unabhängigen Plattenlabels veröffentlicht. Es war das Äquivalent dessen, was Punk damals war. Und De La Soul waren einer der ersten Hip-Hop-Acts, die auf allen Märkten groß wurden, und ich denke, das Artwork hat dazu beigetragen, ihre Identität zu etablieren, und die Identität hat geholfen. Einige Leute haben geschrieben, dass es nicht bedrohlich sei, aber das war nicht unsere Absicht, als wir es geschaffen haben.

Was hat Sie dazu bewogen, Albumcover und insbesondere Hip-Hop-Albumcover zu entwerfen? Wie passte das Genre zur Mission der Grauen Organisation, den Status quo in Frage zu stellen?

Vor Social Media und Mobiltelefonen gab es die Idee eines Ortes. In London gab es bestimmte Pubs in SoHo, die kreative Menschen und Außenseiter gleichermaßen anzogen. Und in New York gab es das East Village. Sogar ein Telefon zu haben war eine Seltenheit und eine Ausgabe, die viele Menschen nicht hatten. Man musste nur wissen, wohin man gehen sollte. Du bist dorthin gegangen, um andere Menschen wie dich kennenzulernen. Soziale Medien sind großartig, weil man in einem Keller in Tennessee mit jemandem in Japan in Kontakt treten kann. Aber damals musste man Tennessee verlassen und nach New York ziehen (was heute eine große Sache ist, weil es unerschwinglich ist). Diese Städte waren Magnete für kreative Kinder.

Wir waren zur richtigen Zeit in New York. New York war damals das Zentrum des Hip-Hop mit all diesen Labels: Tommy Boy, Sleeping Bag, Def Jam, Priority und vielen anderen. Ich habe Monica Lynch bei Tommy Boy getroffen und ein Video gemacht. Das alles ist darauf zurückzuführen, dass ich Punk war, der offensichtlich im Widerspruch zum Status quo dieser Zeit, den späten 70ern, stand. Und als wir dann nach New York kamen, fanden wir diese Energie im Hip-Hop. Und dann wurden wir zum Glück in die Hip-Hop-Community aufgenommen. Ich habe mit A Tribe Called Quest gearbeitet. Ich habe mit Public Enemy zusammengearbeitet. Natürlich war es damals nur eine Sache, die man tun konnte. Ich wollte nicht sagen: „Das ist monumental.“ Aber ich wusste, dass die Zusammenarbeit mit Public Enemy eine große Sache war. Es hatte die gleiche Energie wie Punk – der Tritt gegen die Maschine.

Glaubst du, dass das Design des Albums verändert hat, wie Hip-Hop aussehen könnte? Konnten Sie in der Musik spüren, dass De La gegen die raue und hypergewalttätige, hypermaskuline Art der Darstellungen arbeitete?

In den späten 80ern und 90ern gab es einen Moment mit den Native Tongues und anderen Acts wie den Fugees. Es war eine andere Art von Hip-Hop, und De La Soul und A Tribe Called Quest brachten das wirklich zum Ausdruck. Diese Energie ist immer noch da, aber sie war sicherlich neu und radikal anders, als sie geschah.

Freitag- und samstagabends hörten wir fleißig Red Alert auf Kiss FM, und er liebte es und hatte auch die ganze Reggae-Sache. In Großbritannien ist Reggae riesig und war es schon immer, sogar während der Punk-Zeit. Offensichtlich liegen die Wurzeln des Hip-Hop im Reggae – DJ Kool Herc ist Jamaikaner – und das habe ich an der Musik erkannt. Ich mochte Bands wie EPMD und Run-DMC, war mir aber natürlich bewusst, dass diese Acts, zu denen auch Monie Love aus Großbritannien und Stetsasonic gehörten, unterschiedlich waren. Das war eine neue, frische Stimme.

Graue Organisation. Innenhülle des Albums: De La Soul, 3 Feet High und Rising. 1989

Graue Organisation. Rückseite des Albumcovers für De La Soul, 3 Feet High und Rising. 1989

Wie ist es, auf die kulturelle Wirkung des Albums zurückzublicken?

Eigentlich würde ich nicht sagen, dass es auch nur 100 andere Hip-Hop-Alben oder sogar Musikalben gab, die dieses Artwork parodierten oder davon beeinflusst waren, weil es zu einzigartig ist. Jetzt geht es um so viel Geld, und ich sehe nicht viel Kreativität. Denn es ist alles Markt. Wenn Sie irgendetwas im Ausschuss tun, werden Sie nichts Neues bekommen.

Tommy Boy war ein unabhängiges Label, und niemand hatte eine Ahnung, dass dies von Bedeutung sein würde.

„3 Feet High and Rising“ ist das einzige Hip-Hop-Albumcover in der Sammlung des MoMA. Was bedeutet es Ihrer Meinung nach, wenn das Artwork eines Albums in einem Museum ausgestellt wird?

Ich denke, es ist irgendwie interessanter als viel Kunst, die einfach nur Selbstgefälligkeit ist. Diese Kunst erfüllte einen Zweck und war Teil einer echten Kultur, und sie war nicht vom Geld motiviert. Und da ist auch die Stärke seiner Beliebtheit, weshalb es einen Platz im MoMA verdient, und ich freue mich, dass sie das anerkennen.

Museen müssen sich wirklich der Populärkultur widmen. Sonst landen sie einfach bei diesem elitären Publikum und reden in einem kleinen weißen Raum miteinander. Albumcover fesseln die Menschen wirklich, und das haben natürlich auch Künstler wie Andy Warhol getan. Es ist nur eine andere Art von Format für den kreativen Ausdruck.

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